Los 600
de Latinoamérica
600 DISCOS 1920-2022
En abril del 2021, mientras acontecía la pandemia del COVID a nivel mundial, Jorge Cárcamo y Cristofer Rodríguez decidieron lanzar una invitación abierta a través de la red social Twitter (ahora llamada X) para que la gente propusiera discos esenciales para la historia de América Latina del siglo XX. Entre las colaboraciones espontáneas de una decena de entusiastas -incluyéndome- se armó una lista de 100 discos que luego la compartieron públicamente.
Esto fue el antecedente del proyecto de 600 discos de Latinoamérica, el cual tomó esta idea primigenia pero esta vez un grupo de latinoamericanos lo llevo de algo intuitivo e instantáneo a algo más pensado y detallado. Así que por ello esta introducción contará con detalles como fue parte este proceso. – Leer más…
«Caribe» Las Chicas del Can
1988
Sonotone
Caribe de Las Chicas del Can captura la esencia y la energía de la música dominicana. Con ritmos contagiosos y letras pegajosas marca un hito comercial en la historia del género, con éxitos de versiones de «Juana la Cubana» o «El negro no puede (Waka Waka)». Este disco consolidó el éxito del grupo apadrinado por Wilfrido Vargas en la escena internacional.
«Timbiriche VII» Timbiriche
1987
Melody Internacional
Pocos discos, tratándose de una banda pop juvenil, pueden ofrecer esta conjunción de estrellas y canciones inolvidables. Timbiriche VII lo tiene todo. En su momento surgieron como la respuesta mexicana a Parchís, pero en 1987 ya se habían establecido como uno de los máximos ídolos juveniles de Televisa. Para el volumen VII entran Thalía y Eduardo Capetillo, y en conjunto a Diego Schoening, Erik Rubín, Paulina Rubio, Alix Bauer y Mariana Garza despachan una colección de clásicos instantáneos: “Besos de ceniza”, “Si no es ahora”, “Mírame” o “Con todos menos conmigo”.
«For export» Juan D’Arienzo
1963
RCA Victor
D’Arienzo es uno de los nombres que engrandecieron la época dorada de las milongas porteñas en los años cuarenta. Hoy en día los bailarines de tango aún se emocionan cuando empieza a sonar la orquesta del “Rey del Compás”. Su estilo buscó reivindicar precisamente el lugar de la orquesta típica como centro, no sólo como una mera base para el lucimiento del cantor. En For export aparece la grabación paradigmática de “La cumparsita” y otra serie de clásicos del 2×4 en versión instrumental: “A media luz”, “El choclo” y “La puñalada”.
«Romper el silencio» Perrozompopo
Folk rock – Música de cantautor
2005
Independiente
Entre canciones que denuncian la realidad de su país y canciones de amor, el guitarrista nicaragüense, parte de la familia Mejía Godoy, marca su debut discográfico entregando rock y ritmos latinos. Con una carrera que ya llevaba al menos cinco años, este álbum contiene algunos de sus temas más reconocidos. Grabado y producido en España, tuvo como gran éxito “Entre remolinos”, que caló hondo en Centroamérica.
«Valseando Festejos» Lucila Campos & Óscar Avilés
1982
Iempsa
Lucila Campos es una de las voces más emblemáticas de la música afroperuana. Luego de su etapa con Perú Negro pasó a tener una carrera solista sólida, pero en una etapa hizo mancuerna con el legendario guitarrista criollo Óscar Avilés. De este disco se extraen los clásicos «Mayoral» y «La Morena Trinidad».
«Sentimientos» Charlie Zaa
1996
Sonolux
En pleno renacimiento del bolero con tintes de pop latino, iniciado por Luis Miguel unos años antes, Charlie Zaa, que venía de la salsa al ser uno de los cantantes de la Guayacán Orquesta, sorprendió a toda Latinoamérica con esta colección de reinterpretaciones de clásicos de grandes del bolero como Olimpo Cárdenas y Julio Jaramillo. Sentimientos se convirtió en uno de los discos más vendidos por un artista latinoamericano y llegó al número uno del chart Top Latin Albums de Billboard.
«Prez» Pérez Prado
1957
RCA Victor
A diez años de radicar en México, Pérez Prado firma Prez, que parte con “María Bonita” de Agustín Lara y “Cucurrucucú Paloma” de Tomás Méndez, casi como un homenaje al país que lo acogió. El primer lado nos muestra a Pérez Prado interpretando a Latinoamérica, y en el segundo se mueve al jazz de big band con solos exquisitos como los de “Lullaby of Birdland” y “Leo’s Special”
«Me dejé llevar» Christian Nodal
2017
JG Music – Fonovisa – Universal Music
La música ranchera, a pesar de ser uno de los patrimonios más profundos de México, había llegado a punto de estancamiento al inicio del nuevo siglo, con pocos compositores y propuestas originales. Me dejé llevar es un buen ejemplo de las posibilidades y el músculo comercial del género canónico en el país. El sonorense Christian Nodal arranca su exitosa carrera con una serie de éxitos (covers y composiciones originales) en su disco debut, donde el sonido ranchero se nutre de influencias norteñas: “Adiós amor”, “Me dejé llevar”, “Te fallé”.
«Lucky 7» Roberto Roena y su Apollo Sound
1976
International Records
Con una extensa carrera que comenzó a los 16 años, y pasos por Cortijo y su Combo y El Gran Combo de Puerto Rico, Roberto Roena ya venía cosechando éxitos con sus primeros seis discos en solitario con su Apollo Sound. Este disco lo abre “Que me castigue Dios” a dúo con Rubén Blades (escrita por él para Roberto) y tiene algunos de los temas más característicos de su carrera como “Mi desengaño” y “Mala maña”, pasándose de la salsa al jazz latino en la primera y al merengue en la segunda.
«José José» José José
1970
RCA Victor
Si hay una presentación en vivo que sigue marcada a fuego en la era del YouTube (sin contar “Hasta que te conocí” de Juan Gabriel en Bellas Artes) es la de José José en el II Festival de la Canción Latina en 1970 con “El triste”, de Roberto Cantoral. La potencia y sentimiento del “Príncipe de la Canción” le valió una lluvia de flores sobre el escenario y una fructífera carrera en la canción melódica, a pesar de no llevarse el primer lugar en el certamen. “El triste” aparece en este disco junto con otros temas, acompañado por las orquestas de Chucho Ferrer, Enrique Neri y Eduardo Magallanes.
«Mambo» Pérez Prado
1965
Orfeon
Este álbum contiene nuevas grabaciones de algunos de los grandes clásicos de Pérez Prado, como “Qué rico el mambo”, “Mambo N°5” y “Mambo N°8”. La Orquesta de Pérez Prado se muestra en todo su esplendor, reinterpretando sus clásicos, y mantiene una frescura que reafirma, ya a mediados de los sesenta, su categoría de “El Rey del Mambo”. Aquí también viene una segunda versión de “Mambo del ruletero”, que sería usada en marchas en su país de adopción, México.
«Goldenwings» Opa
1976
Milestone Records
Primer álbum de este trío de jazz uruguayo compuesto por los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso (ex Shakers), y Ringo Thielmann. Es un despliegue de virtuosismo que mezcla jazz, rock y ritmos uruguayos como el candombe. Aquí aparecen acompañados de los ex Quarteto Novo, Airto Moreira y Hermeto Pascoal, e interpretan un par de composiciones compuestas por Rubén Rada, quién se les uniría como miembro en su siguiente álbum Magic Time, de 1977. Este álbum constituye una pieza única en el catálogo latinoamericano.
«Alegre Majagual» Los Corraleros de Majagual
Cumbia – Cumbia colombiana – Vallenato
1962
Discos Fuentes
El debut de Los Corraleros de Majagual destaca porque el sonido de la cumbia es entrelazada con porro y vallenato, y hay un evidente protagonismo del acordeón gracias a Alfredo Gutierrez, quien marcaría un punto evolutivo en el sonido de la música costeña colombiana en la discografía siguiente de la agrupación. En este disco se destacan «La ñata» y «La paloma guarumera».
«El payador perseguido – relato por milonga» Atahualpa Yupanqui
Milonga – Nueva canción latinoamericana – Payada
1964
Odeon
El payador perseguido es una epopeya musical que sumerge al oyente en la melancolía y la belleza de la pampa, propio de la voz profunda y emotiva de Atahualpa Yupanqui. A través de sus letras, el maestro del folclore argentino nos guía por un viaje de reflexión y emoción, explorando tanto sus experiencias personales como las realidades sociales, muestra propia de la tradición de la payada. El disco original de 1964 fue totalmente regrabado para una versión editada en París en 1973.
«Isqun» Renata Flores
2021
Independiente
Renata Flores es una artista peruana nacida en el siglo XXI que durante su adolescencia decide explorar temas identitarios cuando disfrutaba de la música urbana en inglés, a la vez que se encontraba con sus raíces andinas. Como resultado aparece su disco Isqun, apoyado en parte por la producción de Kayfex, donde combina beats que bordean trap, reggaeton o EDM, arropados en música autóctona del sur peruano. Las letras, en quechua y español, hacen referencias a personajes históricos o reivindican a la mujer andina, encontrando un equilibrio entre culturas que conviven en los Andes.
«Ixim K’in Q’aaQ’ – Maíz Y Fusil» Kin-Lalat
Música tradicional guatemalteca – Nueva canción latinoamericana
1982
Enigrac
Editado en el exilio en Nicaragua, y enmarcado dentro de uno de los peores períodos de violencia política de Guatemala, este álbum refleja con crudeza la realidad que sufría el pueblo guatemalteco, no solo en ese presente de 1982, sino también en el pasado. Esta agrupación, cuyo nombre fue ideado por Rigoberta Menchú, entre instrumentos indígenas y otros típicos de la nueva canción latinoamericana, es directo desde los títulos de sus canciones hasta las letras. Como en “Ejército asesino” donde denuncian y exigen: “ejército asesino, fuera del poder / si no se van ya van a ver / que todo el pueblo les va a poner”.
«Marimba Magia» Papá Roncón & Katanga
2000
Banana Pirate Records
Papá Roncón editó este, su primer álbum, a los 70 años, pero ya era una leyenda viva de la marimba en Ecuador. Con numerosos reconocimientos y participaciones en distintos festivales y ferias, nacionales e internacionales, fundó “La Catanga” para enseñarle a tocar la marimba a los niños. Con la voz y marimba de Papá como protagonistas, y con mujeres respondiendo a coro, típico del currulao, éste es un álbum clave para entender la música afroecuatoriana.
«Quererte a ti» Ángela Carrasco
1979
Ariola
Cantante desde niña y presentadora de TV desde la adolescencia, viajó a España con 21 años y con 24 ya actuaba y cantaba en Jesucristo Superestrella junto a Camilo Sesto y Teddy Bautista, lo que la consolidó en el estrellato. Este es su tercer disco en solitario, producido y escrito por Camilo, quien además la acompaña a dúo en “Corazones de fuego” y con quien conformaría una de las grandes duplas de la canción hispanoamericana. El disco es canción melódica con incursiones en música disco y contiene algunos de sus éxitos más grandes como “Quiéreme”, “Mamma” y “Quererte a ti”.
«Horacio Guarany» Horacio Guarany
Chacarera – Música tradicional argentina – Zamba
1957
Record
Horacio Guarany lanzó su primer álbum en 1957 con el sello Allegro, mientras estaba en Rusia, cuando su hit «El mensú» se convirtió en un éxito radiofónico en Argentina. A pesar de las críticas por sus innovaciones, como el uso del órgano, su música progresista recibió respaldo y lo llevó a firmar un contrato en Europa. Demostró que la evolución en el folklore tiene mérito propio, desafiando la necesidad de instrumentos no tradicionales para destacarse.
«La burrita» Los Wawancó
1968
Odeon
Fundada por un grupo de estudiantes (de Colombia, Perú, Costa Rica y Chile) matriculados en la Universidad de La Plata en los años cincuenta, Los Wawancó son los padres fundadores de la cumbia argentina y toda una institución de la música tropical latinoamericana. La burrita recupera un clásico de los Corraleros del Majagual y una serie de temas originales, entre cumbias, paseos y porro. Su influencia se deja sentir en toda la estirpe de la cumbia argentina, desde Los Palmeras hasta Damas Gratis.
«Asalto Navideño» Willie Colón & Héctor Lavoe
1970
Fania Records
Asalto navideño, la colaboración entre Héctor Lavoe, Willie Colón y Yomo Toro, es un festín auditivo que desafía las convenciones decembrinas. Con su innovador concepto, considerando la era en que la Fania empezaba a enarbolar el sonido de la salsa, este álbum fusiona ritmos caribeños con letras festivas y arreglos magistrales. Lavoe y Colón lideran con su carisma y talento, mientras que Toro añade la profundidad del cuatro puertorriqueño. Canciones como «La Murga» y «Aires de Navidad» brillan con su energía contagiosa y su esencia navideña reinventada, lo que convierte al disco en un tesoro que despierta la alegría y demuestra la creatividad sin límites de estos maestros de la salsa.
«Bonito que canta» Petrona Martínez
2002
MTM
A sus 63 años Petrona nos regaló su tercer álbum, lleno de alegría y esperanza; hipnotizador con sus percusiones y coros. Tambores que empiezan y no paran, como un trance; percusiones típicas del bullerengue del caribe colombiano, que encuentra en Petrona a una leyenda viva. Los coros como alabanzas en “Tierra Santa” lanzan una verdad tremenda: “Petrona Martínez, caramba / bonito que canta”. Y canta bonito y con una energía y sentimiento incomparables. Sentimiento como en la mitad del disco, cuando baja el ritmo en las hermosas “Un niño que llora en los montos de María” y “Mi mamá ábreme la puerta”, ésta última donde nos deleita sólo con su voz.
«Rebelde» RBD
2004
Emi – Televisa – Capitol Records
Aunque la telenovela mexicana Rebelde es un refrito de la argentina Rebelde Way, pocos podrían imaginar que más de quince años después de su última emisión la agrupación juvenil que surgió del programa siguiera llenando estadios. El fenómeno pop de Pedro Damián expandió los límites alcanzados por otras agrupaciones parecidas, despachando seis álbumes de estudio y giras por toda Latinoamérica e incluso países de Europa Oriental, como Rumania, Eslovenia y Serbia. Su disco debut es una fresca colección de rock-pop con ganchos impecables para el éxito radial.
«Corazón de piedra» Flor Pucarina
1970
Polydor
Corazón de piedra, el cuarto álbum de Flor Pucarina, irradia empoderamiento femenino en la música andina. Como productora musical, desafía el machismo en la industria, respaldada por su orquesta, la Selección Huanca. Apodada «La Faraona del Cantar Huanca», transforma el huayno, elevando la voz de la mujer hacia la reivindicación. La canción homónima y «Hasta siempre» brillan con su emotividad y la fuerza de su mensaje. Con este disco, Pucarina no solo deja una huella musical, sino un legado de valentía y cambio en la música vernacular peruana.
«A dos voces» Mario Benedetti & Daniel Viglietti
Nueva canción latinoamericana – Poesía
1985
Orfeo
Aunque es un campo que escapa a los límites de esta lista, las grabaciones de viva voz de los escritores latinoamericanos representan un patrimonio sonoro indispensable del continente. En este caso, la poesía de Mario Benedetti hace un tándem con el canto de Daniel Viglietti en un recital registrado en el estadio de Obras Sanitarias de Buenos Aires en 1984, el primero de una serie de dos grabaciones en conjunto. “Cantamos porque llueve sobre el surco / y somos militantes de la vida / y porque no podemos ni queremos / dejar que la canción se haga ceniza”, recita Benedetti, en uno de sus momentos más musicales y latinoamericanistas.
«Fiesta para los muertos» Alejandro y María Laura
2013
Independiente
Fiesta para los muertos, de Alejandro y María Laura, es un viaje sonoro que cautiva desde el primer acorde. Con su fusión única de folk y pop el dúo peruano crea un ambiente hipnótico y melancólico en su segundo álbum. Cada canción es una exploración de emociones profundas y universales, desde la alegría hasta la tristeza, con letras poéticas y una visión naive y sutil de la Lima de los 2010s. Destacan temas como “Jaula”, con Susana Baca, o “Folclorcito”, que muestran la versatilidad y la habilidad compositora del dúo, con la sensibilidad particular de la música de cantautor del siglo XXI.
«Caifanes» Caifanes
1988
RCA
Caifanes es el álbum debut de la banda de rock mexicana del mismo nombre en 1988. Producido por «Cachorro» López, la crítica elogió su propuesta post-punk en canciones como «Viento» o «Amanece». Pero detrás de su estética dark y goth, permearon en el mainstream con la adaptación en cumbia de «La Negra Tomasa», que lanzaron en simultáneo con los sencillos del disco y cuyo éxito obligó a incluirla en las posteriores reediciones.
«Elia y Elizabeth» Elia y Elizabeth
1973
Zeida
Elia y Elizabeth Fleta, un dúo de hermanas, brillaron en Colombia entre 1972 y 1973 con su ecléctica música que fusionaba soft-pop, funk tropical, canción de autor caribeña y psicodelia. Escuchadas previamente por el compositor español Juan Carlos Calderón, obtienen el éxito con el músico Jimmy Salcedo en Barranquilla. Sin embargo su carrera fue fugaz, abandonando la música abruptamente y dejando atrás sus melodías cautivadoras y letras de sensibilidad evocadora.
«Para los arqueólogos del futuro» Congreso
1989
Alerce
Para los arqueólogos del futuro es el noveno disco de Congreso, lanzado en 1989, y el segundo tras el retorno de Francisco Sazo en las vocales. El álbum, concebido como un legado para las futuras generaciones, aborda temas históricos de la dictadura chilena en el contexto del post plebiscito de ese país. No obstante, su enfoque explora diversas temáticas con una mezcla única de folclore y jazz fusión. Destacan temas como «Un sueño perdido» y «El trapecista». La lírica evoca la represión y la resistencia, mientras que «En todas las esquinas» se convierte en un himno universalista. Sazo dijo que el álbum «apunta a la capacidad de olvido de los latinoamericanos. El olvido para con los muertos, especialmente con los del último tiempo».
«¿Quién mató a Gaete?» Mauricio Redolés
Latino alternativo – Música de cantautor – Poesía
1996
Krater
Tercer disco editado en Chile desde su vuelta del exilio en Londres, donde grabó su primer disco. ¿Quién mató a Gaete? es poesía y humor. Producido por Álvaro Henríquez, el álbum empieza con “Mi voz” (“Está no es mi voz. Esto que oyes no son más que impulsos eléctricos”), y ya nos muestra que como oyentes vamos a experimentar algo especial. Le sigue una cumbia y luego diálogos, poesía (una de Alejandra Pizarnik), folk y blues (y blues con cueca, “blues cuequero”, como le dice Redolés). Finaliza con la homónima “¿Quién mató a Gaete?”, una mezcla de ritmos, estilos, gritos y poesía, una pregunta repetida y muchas respuestas. Es rock, cumbia, parodia de marcha militar y se convirtió en LA canción de la transición chilena a la democracia.
«Pimpinela» Pimpinela
1982
Epic
El dúo argentino de los hermanos Lucía y Joaquín Galán irrumpió en la escena de la balada pop de manera contundente con su primer álbum. Y es que interpretaban como nadie lo hacía, con una teatralidad que captó la atención de muchos. Han pasado más de cuarenta años y continúan presentes en la memoria colectiva con temas como “Olvídame y pega la vuelta” y “Vivir sin ti no puedo”.
«Power-Fuerza» Ghetto Brothers
1972
Salsa Records
Los Ghetto Brothers era un grupo de muchachos de origen puertorriqueño, residentes del Bronx, que para alejarse de la violencia de las calles recurren a la música como medio, promoviendo la conciencia entre los jóvenes. Su música fusiona rock, funk y sonidos latinos, reflejando su diversidad cultural, y fue grabado con apenas 500 dólares en una sesión de estudio. Aunque el álbum originalmente pasó desapercibido, su importancia histórica es innegable, y se le considera importante en el nacimiento del hip-hop, sobre todo en su ideología e identidad con el barrio latino.
«La Inmortal» Lucha Reyes
1953
RCA Victor
Con Lucha Reyes se inaugura el estilo bravío de la canción ranchera. Aunque su voz fue educada en la técnica operística, diversas enfermedades respiratorias y el alcohol fueron esculpiendo una tesitura rasposa y una interpretación temperamental que aún es celebrada por los cultores del género. Luego de su trágica muerte en 1944 a los 38 años su nombre persiste como uno de los símbolos de la música mexicana. En este disco se compilan algunas canciones grabadas en los años treinta, donde fue también partícipe de varias películas, como ¡Ay, Jalisco no te rajes!
«KG0516» Karol G
2021
Universal Music Latino
KG0516 es el trampolín definitivo para que Carolina Giraldo, más conocida como Karol G, salte a la palestra y se consagre como una de las figuras más importantes del reggaetón y de la música latina en general. Haciendo alusión a las iniciales de su nombre artístico y a la fecha en la que sus padres firmaron su primer contrato discográfico (al ser ella menor de edad), en KG0516, Giraldo se alía con el productor Daniel Echavarría, Ovy On The Drums, para componer 16 canciones y publicar “Tusa” como primer single, con gran recepción. Este tema, además de dar en el clavo en el surgimiento del empoderamiento femenino como tema en la música mainstream, se volvió viral gracias a su letra, ritmo pegadizo y video musical. “Bichota” remató la apuesta y desató todo un concepto que propios y extraños no tardaron en apropiarse. Mención honrosa a “Leyendas”, última canción del disco, el cual reúne y reconoce a la vieja escuela del reggaetón, en un popurrí que nos hace recordar a “Quítate tú pa’ ponerme yo”, aunque con representantes más recientes del género.
«Latin-Soul-Rock» Fania All Stars
Funk – Salsa – Salsa dura
1974
Fania Records
El 24 de agosto de 1973 marcó el apogeo de Fania All Stars al llenar el Yankee Stadium con 45 mil personas. A pesar de un inicio normal, el duelo percusivo en «Congo Bongo» desató el caos, suspendiendo el concierto. Este evento se inmortalizó en el álbum Latin-Soul-Rock, que también presenta otras actuaciones en vivo. Por un lado muestra la experimentación de la banda con el rock, el funk y el jazz, desafiando la visión purista de la salsa. Y por otro, una seguidilla de invitados extraordinarios como Jorge Santana, Manú Dibango y Billy Cobham. Su influencia en la música latina y su irresistibilidad rítmica son revolucionarias.
«Carnavalitos» Edmundo P. Zaldívar
Carnavalito – Música tradicional argentina
1955
Pampa
“El humahuaqueño” es quizá uno de los temas más conocidos del folclore argentino en el resto del mundo, con cientos de versiones de distintos artistas. Sin embargo no proviene de un repertorio tradicional, sino de la pluma de un músico entusiasta de la música jujeña, el porteño Eduardo P. Zaldívar, y de los versos del salteño Jaime Dávalos. En este disco el conjunto de Zaldívar hace su aporte al género del carnavalito, una danza andina con presencia en el norte argentino, Bolivia y partes de Perú, que se interpreta con charango, quena, erke, sikus y bombo.
«Yo vengo aquí» Compay Segundo
1996
Gasa – NSL
Con 88 años el mítico Compay Segundo publica su primer álbum, que termina siendo un acogedor recorrido por la música, aquella que lo abasteció desde sus años con la orquesta de Benny Moré y con Los Matamoros hasta la aventura de Buena Vista Social Club. Aquí disfrutamos clásicos de su repertorio y del son cubano como “Chan Chan”, “Sarandonga” y “Macusa”.
«Viva Centro América» Fidel Funes, Orquesta Hermanos Flores, Alma Tuneca & Grupo Rana
1987
Sonotone
Durante la década de los años ochenta en Centroamérica se grabaron varios discos recopilando éxitos bailables y este es el más destacado de ellos. Aquí se reúnen tres representantes de Guatemala, con Rana, Alma Tuneca y Fidel Funes; y un representante de El Salvador, la Orquesta de Los Hermanos Flores. Este disco se pensó como una batalla tropical donde la cumbia es la que manda. Se extraen temas muy reconocidos como “Colombia rock” de Rana, “Salvadoreñas” de Los Hermanos Flores, o “Ladrón de tu amor” de Alma Tuneca.
«Los dueños del swing» Los Hermanos Rosario
1995
Karen Records
Frescura, carisma y alegría definen este trabajo de la emblemática agrupación dominicana Los Hermanos Rosario, que con esta colección de canciones pusieron a bailar al mundo entero y posicionaron al merengue como el género ideal para gozar. Este disco también se caracteriza por la intensidad que nos regalan en 13 cortes, donde su merengue es rítmicamente muy rico, a pesar de la sencillez de su estructura.
«Será» La Vida Bohème
2013
Nacional Records
Será es el segundo álbum de La Vida Bohème, parte de la trilogía “Nuestra Será La Lucha”, donde claman «suspendan el carnaval, volvamos al luto de antaño», en «La Vida Mejor», que evoca nostalgia por una Venezuela pasada. El álbum, un crisol de protestas y reflexiones, aborda la muerte, la pobreza y la violencia en alternancia al contexto sociopolítico de su país. Con un cambio hacia sintetizadores y ritmos caribeños, fusiona sonidos combativos con momentos melancólicos. Destacan canciones como «La bestia» y «Hornos de cal», marcando una evolución sonora y lírica. Temas como «Aún» conmueven, mientras «El futuro funciona» irradian energía con ironía. Este disco les llevó a ganar el premio de Mejor Álbum Rock en los Grammy Latinos.
«Cara de niño» Jerry Rivera
1993
Sony Music Latin
Con tan solo 20 años de edad Jerry Rivera publicó Cara de niño, su tercera producción discográfica, que lo asentó como el definitivo rey de la salsa juvenil. Una salsa muy bien producida, pero con líricas que hablan de jóvenes enamorados, algo que ablandó la narración de la salsa erótica, muy popular en la época. Sin duda que este disco, con temas como “Qué hay de malo”, “Cara de niño” y “Sólo tú” fueron claves para atraer al público joven a escuchar y bailar salsa.
«Películas» La Máquina de Hacer Pájaros
Jazz rock – Rock – Rock progresivo
1977
Microfon
Este es el segundo y último álbum de esta banda que lideró Charly García, que incluye a músicos como Oscar Moro, Carlos Cutaia, Gustavo Bazterrica, y José Luis Fernández. El legado con estas 8 canciones es tremendo, una placa de rock progresivo orquestal que fue creado durante la última dictadura cívico-militar en Argentina. Es una obra que escapa a la censura de la época con grandes recursos de la pluma de Charly, quien a pesar de las restricciones retrata el contexto dictatorial y el día a día de las personas sumidas en todo lo que ocurría en ese país del sur.
«Cantata sudamericana» Mercedes Sosa
Cantata popular – Nueva canción latinoamericana
1972
Philips
La Cantata Sudamericana de Mercedes Sosa cuenta con colaboraciones notables como las de Isabel Parra y Daniel Viglietti. El álbum, concebido a través de las composiciones de Ariel Ramírez y letras de Félix Luna, busca la identidad sudamericana y enarbola cánticos con valoración en elementos estéticos y folclóricos propios de Sudamérica, con una fuerte carga ideológica. Destaca por su variedad de arreglos, incluyendo instrumentos poco comunes en el folclore argentino como la marimba, marcando una diferencia con otros discos de La Cantora de América. Este ambicioso proyecto promueve la emancipación y la búsqueda de la paz en la región.
«Cancionero» Hernaldo Zúñiga
1978
Zafiro
Hernaldo Zuñiga es un cantautor nicaragüense cuya carrera musical lo llevó por diversos países a lo largo de su vida. Su participación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en Chile lo puso en la mira de cazatalentos españoles, quienes le permitieron editar su primer disco en 1978 llamado Cancionero. Bajo la producción de Juan Carlos Calderón, tuvo una excelente acogida tanto de crítica como del público que amaba la canción melódica. Destacan canciones como «Cancionero», «Se me va» y la primera versión grabada del poema de Mario Benedetti «Te quiero». Su acercamiento a la nueva canción en «Raíces americanas», de acuerdo al propio Hernaldo, es un tributo a las raíces folclóricas del continente americano, y ha sido integrada al repertorio tradicional de su país natal.
«Los Zafiros» Los Zafiros
Bolero – Grupo vocal – Rumba
1961
Egrem
Los Zafiros fusionaron el doo-wop con la bossa nova, el calipso, los boleros y la rumba, creando así un sonido distintivo. Este eclecticismo se refleja en su álbum debut de 1961, que incluye temas como «Bossa cubana», «Cuando yo la conocí» y «Mírame fijo», junto con composiciones de miembros de la agrupación y otros compositores cubanos. El disco estuvo bajo la dirección de Néstor Mili Bustillo, y permitió el rápido reconocimiento nacional en Cuba, pero su internacionalización se vio obstaculizada hasta años más tarde por el contexto de la Revolución Cubana y conflictos internos del grupo. No fue hasta años más tarde, en los tiempos que se incorporó Manuel Galbán, que lograron proyección mundial, siendo Galbán reconocido mundialmente por su participación en Buena Vista Social Club.
«Carlos, Erasmo…» Erasmo Carlos
1971
Philips
En 1971 Erasmo Carlos (producto de la Jovem Guarda, el movimiento pop-rock que los hizo famosos a él y a su amigo Roberto Carlos) se encontró en una encrucijada. Se sentía sofocado por las críticas recibidas respecto a estar demasiado influenciado por la música estadounidense, que para algunos críticos era trivial. Podría seguir por el camino de Jovem Guarda o adaptarse a los tiempos. Se adaptó, con la ayuda de los grandes nombres del movimiento MPB emergente, como Caetano Veloso, Taiguara, Jorge Ben, los hermanos Valle y su compañero compositor Roberto Carlos, y creó una mezcla de psicodelia, samba rock, y soul, sin dejar de lado sus raíces románticas. Una de las obras maestras de la MPB.
«Jarishimi Kichuapi» Enrique Males
Música de cantautor – Música tradicional ecuatoriana
1984
Teen Internacional
La leyenda del folclor ecuatoriano tuvo dos hitos que marcaron su carrera: en 1972 viaja por segunda vez a tocar a Chile, en pleno gobierno de Allende, y conoce de primera fuente la nueva canción y su arte comprometido. El segundo hito fue su incorporación en 1977 a la agrupación Ñanda Mañachi, en el que se reconectó con sus raíces indígenas. En Jarishimi Kichuapi, siguiendo la línea de sus primeros tres álbumes, Enrique une estos dos elementos con su gran voz y su aguda guitarra, cantando en kichua y español, y nos entrega algunas de las interpretaciones mejor logradas de su extensa carrera. En este disco su compromiso va por el lado de la difusión de la cultura kichua, tal como lo dice en la contratapa del álbum.
«Buena Vista Social Club Presents Ibrahim Ferrer» Ibrahim Ferrer
Bolero – Jazz afro cubano – Son cubano
1999
World Circuit
Es increíble todo lo que el mundo de la música latina se perdió por más de 50 años. En 1997, gracias a la fantástica historia creada por Ry Cooder, redescubrimos a magistrales músicos y cantantes cubanos como Ibrahim Ferrer. Tenía 72 años cuando grabó y publicó su primer disco, un trabajo que da continuidad a lo escuchado en Buena Vista Social Club y donde Ibrahim tuvo la libertad de seleccionar los temas, además de escoger a los músicos que lo acompañaron en la grabación, entre ellos Manuel Galván y Cachaíto López. Clásicos de la música cubana como “Herido de sombras” y “Marieta” nos dejan hipnotizados.
«Mi nuevo tumbao… Cañonazo» Johnny Pacheco
1964
Fania Records
El músico dominicano Johnny Pacheco es una piedra angular para el desarrollo de la salsa y con este trabajo comienza todo. Para 1964 Pacheco ya era una figura reconocida en el mundo de la música latina por su agrupación guarachera. Sin embargo, tras fundar Fania Records, en sociedad con el abogado Jerry Masucci, decide cambiar los violines por trompetas para crear Pacheco y su Nuevo Tumbao, una agrupación de son que se rige por los parámetros musicales de la Sonora Matancera. De esta manera llega Cañonazo, álbum compuesto por 11 temas en la voz del magistral Pete “Conde” Rodríguez, que comienza a llenar el vacío de música popular cubana a raíz del bloqueo estadounidense a la isla.
«Cuecas» Dúo Rey-Silva – Mario Catalán – Elia Ramírez
1963
RCA Victor
Primer y más emblemático álbum de este trío cuequero formado por el dúo Rey-Silva y Mario Catalán, que venían grabando juntos en otros formatos como el 78 rpm desde 1951. En esta placa se hacen acompañar en algunas canciones por la cantante Elia Ramírez, y se demuestra toda la calidad de cada miembro: el arpa de Alberto Rey, la guitarra de Sergio Silva y las voces de Elia y Mario, esta última ya muy famosa en el circuito cuequero de esos años. Pero más allá de eso, el disco desde el comienzo es una invitación a bailar y cantar, aunque sean las primeras cuecas que uno haya escuchado en la vida.
«Esquemas juveniles» Javiera Mena
2006
Índice Virgen
Esquemas juveniles, el primer álbum de Javiera Mena lanzado en 2006, destaca por su diseño del synthpop. Mena, estudiante de jazz, experimenta con influencias que van desde el eurodance hasta la música folclórica chilena. La pista de apertura, «Al siguiente nivel», destaca con su vibra de synth punk. La dulce voz de Mena sobre el electropop nos muestra toda su pasión, destacando «Sol de invierno» y «Cámara lenta». Su debut exhibe talento con tonos retro ochenteros y armonización vocal elegante, brindando melodías que alivian la tensión mientras mantienen su vitalidad.
«Metiendo mano!» Willie Colón & Rubén Blades
1977
Fania Records
Metiendo mano! es un álbum revolucionario lanzado en 1977 por Willie Colón y Rubén Blades, pionero en la salsa consciente. En canciones como «Pablo Pueblo» y «Plantación adentro» abordan temas sociales como la explotación laboral, la inmigración y el genocidio indígena. La innovación musical incluye un solo de tuba y la participación de Yomo Toro con la guitarra acústica en “Me recordarás”. Sus letras son todavía relevantes hoy en día, y pusieron a Rubén Blades en el mapa musical, sentando las bases para futuras obras maestras de la salsa, varias de ellas hechas por la misma mancuerna Colón-Blades.
«Maravilloso! Maravilloso!» Los Cinco Latinos
1958
Columbia
Estela Raval, talentosa cantante argentina, comenzó en la música desde niña. Tras formar dúos y tríos se unió a su esposo Ricardo Romero y otros músicos en la exitosa orquesta del maestro Raúl Fortunato. Juntos fundaron Los Cinco Latinos, cuyas melodías cautivaron a las audiencias hispanohablantes. Con su álbum debut, Maravilloso! maravilloso!, lanzaron éxitos como «Quiéreme siempre», «La violetera» y la canción homónima. Liderados por la distintiva voz de Estela, la popularidad alcanzada con estos temas permitió al grupo realizar giras por muchos países de habla hispana, lo cual aún no era común para un artista pop en aquel entonces.
«Bueno… Y qué?» Rafael Cortijo y su Combo
1960
Producciones Gema
Amigos desde niños, la química musical entre Rafael Cortijo e Ismael Rivera se erige entre las más importantes y trascendentes de la música latinoamericana. Y lo dejan claro en este, el séptimo álbum del Combo del gran percusionista con el Sonero Mayor en la voz. Aquí se mueven con naturalidad y maestría por la bomba y la plena, a los que Rafael les agregó trompetas y saxofones desde que formó su Combo. Nos dejan clásicos como “Perfume de rosas”, “Tuntuneco” y “Ramona”, una referencia a Gardel en “Parece mentira”, y un cover de “Un telegrama”, originalmente interpretada por Monna Bell. Al año siguiente de este álbum, con la encarcelación de Ismael, algunos miembros se separan del Combo de Rafael para formar El Gran Combo de Puerto Rico. Sin embargo, las vidas de ambos, personales y artísticas, siguieron encontrándose a futuro, ya cada uno con un prestigio propio en la historia de la música latinoamericana: Ismael convirtiéndose en uno de los mayores salseros, y Rafael experimentando con el jazz latino.
«Música para los perros» Pro-Rock Ensamble
Jazz rock – Rock – Rock progresivo
1986
Discos Elio
El rock en Paraguay enfrentó numerosos obstáculos para florecer y expresar su arte, desde la dificultad para adquirir discos del género hasta la lucha por encontrar escenarios adecuados. Además, el contexto político bajo la dictadura de Stroessner impuso desafíos adicionales. En 1980, en medio de esta adversidad, surgió Pro-Rock Ensamble, fusionando jazz-rock y progresivo. Tras un single y un arduo trabajo de composición lanzaron el primer álbum de rock paraguayo, Música para los perros, el 23 de noviembre de 1983. Este hito dejó una impresión duradera en los seguidores del género y recibió elogios de los medios locales, que lo catalogaron como el punto de partida del rock nacional. A pesar del impacto cultural en su país Pro-Rock Ensamble no pudo continuar debido a las limitaciones del entorno de la época.
«Solos en América» Miguel Mateos / ZAS
1986
Sazam Records
La banda de Miguel Mateos recibió su bautismo de grandes escenarios en 1981 cuando telonearon a Queen en el estadio de Vélez Sarsfield, siendo prácticamente una banda desconocida. Pero cinco años después ya se habían hecho de un nombre en el panorama del rock argentino post-dictadura. 1986 fue el año en que empezarían la conquista de Latinoamérica, con el éxito de “Cuando seas grande”, que fue aprovechado por la movida del sello BMG para su etiqueta comercial de “Rock en tu idioma”. El título del disco no podría ser más pertinente, e incluye otros éxitos de pop rock seductor como “Llámame si me necesitas” o “Es tan fácil romper un corazón”, enmarcados por la guitarra del Negro García y el bajo de Cachorro López.
«Quién como tú» Ana Gabriel
1990
CBS
Originaria de Sinaloa, tomó el apellido de Juan Gabriel por su profunda admiración del Divo y comenzó su carrera en el programa de TV Valores Juveniles. Pronto destacó por su voz ronca que escapaba a los estándares de las cantantes melódicas latinoamericanas. Con una trayectoria de casi medio siglo, Quién como tú es uno de los discos más destacados de su carrera. Aparte de las baladas “Quién como tú” y “Ni un roce”, Ana se atreve a probar otras sonoridades, como la lambada (“Hice bien quererte”) y el reggae. Incluso se anima a un cover de “Something” de los Beatles.
«Gita» Raúl Seixas
1974
Phillips
Punto más alto de una maravillosa triada de álbumes que Raulzito publicó entre 1973 (Krig-ha, Bandolo!) y 1975 (Novo aeon) y también su disco más vendido. El que es considerado uno de los padres del rock brasileño ahonda en este disco sus letras filosóficas e irónicas, varias de ellas escritas con su amigo Paulo Coelho. Presenta su ideario en “Sociedade alternativa” (en la que menciona a Gardel), se inspira en Borges para “Loteria da Bablônia”, y en la religión hindú en la homónima “Gîtâ”. Todo lo anterior mientras al rock y pop le agrega MPB, folk y hasta bolero en “Sessão das 10”.
«Poncho al viento» Soledad
Chacarera – Música tradicional argentina – Zamba
1996
Sony Music Argentina
Con una voz inconfundible, la carrera artística de la “Sole” cambió con Poncho al viento, su primer álbum de estudio. A los dieciséis años no sólo renovó la cara del folklore argentino acercándolo a audiencias más jóvenes, también revitalizó este género al encontrarse escaso de visibilización. De esta manera, logró más de 800 mil copias vendidas cuando se publicó en 1996, siendo el más adquirido de un artista argentino en la historia de Sonic Music. La producción se gestó con algo de preocupación y premura: la grabación duró ocho horas, ya que no contaban con el presupuesto que le prometieron al ganar un premio por su presentación en el Festival de Cosquín de 1996. Además sus padres no querían que se pierda la difusión de haber subido exitosamente a uno de los escenarios más importantes del país. En la casa de su padrino artístico César Isella, la Sole cantó desde el baño mientras los músicos trataban de entrar en un pequeño estudio. Por esta y otras vicisitudes, Poncho al viento es un álbum gaucho (es decir, con carácter), publicado en el tiempo preciso e infaltable en toda colección de música latinoamericana.
«La Exitante Lupe Canta Con El Maestro Tito Puente» Tito Puente & La Lupe
Bolero – Guaracha – Son cubano – Soul
1965
Tico Records
En este trabajo inicia una de las mancuernas más recordadas de la música afrocubana: la de Tito Puente con la extraordinaria cantante La Lupe, ex voz de la orquesta de Mongo Santamaría. Terminaron realizando cuatro discos en total. La Exitante Lupe Canta Con El Maestro Tito Puente es un carrusel de ritmos de la isla, como guaracha, son montuno y bolero, pero también se atrevieron a fusionar el bossa nova bajo su propia mirada, todo magistralmente llevado por el sonido big band de la orquesta de Tito. Por su parte, La Lupe sacó todo el soul de su voz para apropiarse de grandes temas que hoy se siguen aplaudiendo, en especial el clásico “Qué te pedí”. En estas 12 canciones Tito y La Lupe comienzan a desglosar el sonido y la forma de cantar que con el paso de los años se fue convirtiendo en lo que conocemos como salsa.
«Maestra Vida. Primera parte y segunda parte» Rubén Blades
1980
Fania Records
Maestra Vida (volúmenes 1 y 2) es una obra monumental en la historia de la música latina, lanzada por separado, pero parte de una serie conceptual. Compuesta por Rubén Blades y producida por Willie Colón, esta ópera-salsa marca un hito al introducir una narrativa literaria latinoamericana en la música. La obra, a través de las historias de Manuela y Carmelo, aborda temas profundos y tabúes, desde el amor hasta la muerte, desafiando los estándares comerciales de la época. La voz de Anoland Díaz, la madre de Blades, añade una capa de autenticidad emocional única. Blades etiqueta a su trabajo como «folclore de ciudad latinoamericana» o focila. Con reminiscencias de grandes obras literarias (que llevó a que el propio Gabriel García Márquez lo recomendara) los dos volúmenes de Maestra Vida son una joya que merece ser descubierta y apreciada por generaciones.
«Siluetas en Trío. Vol II» Los Tres Ases
1958
RCA Victor
Cuenta la leyenda que Juan Neri y Héctor González Pineda, que pertenecían al Trío Culiacán, necesitaban un músico suplente para dar una serenata, ante la falta de su tercer integrante. Así que llevaron a un joven tapatío, Marco Antonio Muñiz, que cantaba en el mismo cabaret que ellos. Así terminó de formarse la primera alineación de Los Tres Ases, que endulzó los años cincuenta con sus finas armonías vocales. Este álbum incluye temas de varios pesos pesados del bolero, como Luis Demetrio, Álvaro Carrillo y Roberto Cantoral (“La puerta”, “Siete notas de amor”, “Regálame esta noche”). Muñiz seguiría a partir de 1959 una exitosa carrera solista, que lo llevó a ser apodado “El Lujo de México”.
«Quarteto Nôvo» Quarteto Novo
1967
Odeon
Con tres miembros del noreste brasileño, de donde es originario el baião, el cuarteto entrega finas piezas donde mezclan este género con samba y jazz. El grupo tuvo corta duración: se formaron en 1966, grabaron este disco y se separaron en 1969. Pero dejaron este trabajo, que es uno de los mejores de la música brasilera y sirvió de punta de lanza para sus cuatro integrantes y sus carreras en solitario, en especial la de Hermeto Pascoal, cuya flauta es protagonista del disco desde el primer momento.
«Jazz With Flip And Bird» Machito
Jazz – Jazz afro cubano – Mambo
1952
Mercury
Machito ya venía tocando desde finales de los años veinte en Cuba en distintos conjuntos y orquestas. Luego, a comienzos de los años cuarenta, ya en Nueva York, formó Machito & His Afro-Cubans, centrado principalmente en música cubana con formación de big band. En este álbum, ya como Machito a secas, cuenta con la participación de Flip Phillips en el saxo tenor y Charlie Parker en el saxo alto, y es uno de los pioneros del jazz afro cubano. Si bien Machito ya había editado Afro-Cuban Jazz en 1951 (también junto a Phillips y Parker, y bajo la conducción de Chico O’Farrill y Mario Bauzá), Jazz With Flip And Bird reúne grabaciones que se hicieron con anterioridad a ese álbum, entre ellas “Tanga”, la cual es considerada el nacimiento del jazz latino.
«Ibeyi» Ibeyi
2015
XL Recordings
Un álbum cautivador de principio a fin, que posee una extraña pero bien ejecutada mezcla de neo-soul, art-pop y un poco de beats electrónicos. Todo para llevarnos por un misterioso viaje místico de cantos a los orishas y de regreso las raíces afrocubanas de las gemelas Lisa-Kaindé y Naomi Díaz, hijas del percusionista cubano Miguel “Angá” Díaz, quien trabajó con Irakere y Buena Vista Social Club. Con sus hermosas voces nos adentran en un ritual de emociones muy profundas. Musicalmente es un álbum espléndidamente minimalista, que ante la ausencia de instrumentos genera una sensación de plenitud sonora.
«Botellita de Jerez» Botellita de Jerez
1984
Polygram
Armando Vega Gil «El Cucurrucucú», Francisco Barrios «El Mastuerzo» y Sergio Arau «El Uyuyuy» fundaron Botellita de Jerez, mezclando rock urbano con humor chilango. Con letras directas sobre la vida en Ciudad de México, crearon el guacarrock burlándose del aspecto más extranjerizante de los rockeros para reivindicar códigos propios. Su debut fue producido por el periodista musical Óscar Sarquiz, y es genial en su simplicidad e inmediatez, mostrando la actitud rockera y herencia mexicana, con un toque de Tin Tan y Los Xochimilcas. Sus canciones, como «Charrocanrol» y «Alármala de tos», se convirtieron en himnos del rock de la banda. Escucharlo es reconocer la genialidad del guacarock.
«La dueña del santo» Alicia Maguiña
Música criolla peruana – Vals peruano
1957
Sono Radio
Alicia Maguiña Málaga, influyente cantautora y estudiosa del folclore peruano, estuvo marcada por una incansable búsqueda de excelencia y autenticidad, que la consolidó como un ícono cultural del siglo XX en el Perú. Desafió las normas sociales en un entorno predominantemente masculino, y de profundo racismo contra las personas negras e indígenas, alejándose de los prejuicios de su clase social. El respaldo de Sono Radio la catapultó al éxito, con el lanzamiento de su primer álbum La dueña del santo, donde fusionó magistralmente diferentes géneros musicales, desde el vals hasta la marinera. El disco incluye su primer vals, “Inocente amor”, que escribió cuando solo tenía 16 años, así como con el popularísimo tema nacional “Viva el Perú y sereno.” A lo largo de su carrera Alicia no solo conquistó al público con sus composiciones, sino que también se destacó por su profundo conocimiento y respeto por la diversidad cultural del su país.
«Llorarás» Los Terrícolas
Bolero-Beat – Canción melódica
1972
Discomoda
En plena época de la carrera espacial (de ahí el nombre de la banda) los hermanos Hoyer, de Morón, Venezuela, formaron un combo de música romántica influenciada por el sonido cósmico de Los Ángeles Negros: mezcla de balada romántica y rock psicodélico. Un gran aporte, además de la voz y carisma de Néstor Hoyer, fue la voz de su hermana Beatriz, con quien dialoga en varios de sus temas más recordados. En su segunda producción, además del tema que da título al disco, aparece “Te juro que te amo”, versión del italiano Michele Maisano, que les ayudaría a consolidar su éxito en varios países de la región junto a otras importantes bandas de la época como Los Pasteles Verdes. Néstor Hoyer empezaría una carrera solista a partir de 1980.
«Que gente averiguá» Mon Rivera y su Orquesta
1963
Alegre Records
La plena puertorriqueña se alimentó de sus orígenes en la isla de San Cristóbal hasta evolucionar en un género musical borinquen que se le conoció como «periódico cantado» por su narración de sucesos cotidianos, mientras se usaba instrumentación tradicional muy propia de la isla. Nacido en Mayagüez, el gran Mon Rivera recogió esa tradición y la llevó a Nueva York. En este álbum, grabado en 1963 bajo la producción de Al Santiago, decidió incursionar con el sonido de tres trombones. A este nuevo estilo lo bautizó como la trombanga, que también incorporaría Eddie Palmieri con su orquesta La Selecta. Años más tarde Willie Colon lo retomaría para sus primeros discos, lo cual crearía un precedente insospechado para la salsa.
«Contigo» Intocable
1999
EMI Latin
En enero de 1999 un accidente de carretera se llevó la vida de tres integrantes de Intocable. Este suceso trágico disparó uno de los discos más potentes de la banda de Zapata, Texas. No sólo desde la parte emotiva, donde recordaron a sus compañeros fallecidos en “El amigo que se fue”, también desde lo musical, consolidando su sonido norteño tejano con un alto nivel técnico y de producción. Temas como “Fuerte no soy” muestran la gran evolución del género al final del siglo XX: una power-ballad norteña de intrincados pasajes instrumentales, que logró un gran éxito en ambos lados de la frontera.
«A toda Cuba le gusta» Afro Cuban All Stars
1997
World Circuit
Juan Marcos González fue el encargado de reclutar a los músicos cubanos para el proyecto de Nick Gold y Ry Cooder que desencadenó el fenómeno de Buena Vista Social Club. Con A toda Cuba le gusta comienza la serie de tres grabaciones consecutivas donde consiguen una importante mezcla de ritmos originarios de la isla, como el bolero, el chachachá, el danzón y la rumba. Este disco tuvo un repliegue exquisito de talentosos músicos como el pianista Rubén González (a quien le dedican esta obra), Ibrahim Ferrer y el cantante Manuel “Puntilla” Lisea, para entregar un disco espontáneo, relajado y contundente.
«Los reyes de la punta» Los Roland’s
1991
Musical Productions / Musart
Los Roland’s o Los Rolands de La Ceiba hicieron de la punta catracha un género que trascendió desde los carnavales en Honduras hasta giras por toda Centroamérica y otros países. Bajo las vocales del Comandante Ubala, su pico en popularidad llegó con el disco Los Reyes de la Punta, que la mayoría de hondureños compró en casete, y que contiene temas que inevitablemente te hacen mover el cuerpo. Destacan sus dos más grandes hits: «La Yuca» y «Tikitá Tikitá», que hoy en día se siguen oyendo en las radios locales. Tema aparte eran sus famosos conciertos con una propuesta de bailarinas sobre el escenario.
«João Gilberto» João Gilberto
1973
Polydor
Después de lanzar la bossa nova con su guitarra junto a Elizeth Cardoso en Canção do amor demais (1958) y en su propio Chega de Saudade (1959), Gilberto llega en este álbum a la cúspide de su delicadeza. Incluye composiciones propias y otras de grandes de la música brasileña como Caetano Veloso, Ary Barroso, Gilberto Gil, o el clásico con el que abre el disco, “Águas de Março”, de Tom Jobim. João da una muestra de maestría con su guitarra, voz (y la de Miúcha en “Izaura”) y con acompañamientos minimalistas.
«Ritchie Valens» Ritchie Valens
1959
Del-Fi Records
¿Qué hubiese pasado si Ritchie Valens no abordaba ese avión? Sólo podemos especular sobre lo que le habría deparado el futuro al adolescente mexicoestadounidense de Pacoima, California. Lo que sí sabemos es que con su idea de versionar “La bamba” (una canción tradicional de son jarocho) fue un precursor de cómo las bandas de rock de la región incorporaron los sonidos autóctonos y los mezclaron con el rock. Influenció a las generaciones posteriores como Carlos Santana y Javier Bátiz, quienes se convirtieron en pilares de la escena del rock latino en los Estados Unidos y de la floreciente escena del rock en México, respectivamente
«La muerte… Un compromiso de todos» La Pestilencia
1989
Mort Discos
La Muerte… Un Compromiso de Todos, el debut de La Pestilencia, bajo la producción de Arturo Astudillo de Los Flippers, es un hito del rock colombiano. Destaca por su profesionalismo y autogestión, con un presupuesto mínimo. Temas como «Fango», «Ciencia de la autodestrucción» y «Olé» se convirtieron en himnos. Fusionando influencias del hardcore, el trashcore y el punk español, el álbum aborda letras nihilistas y críticas sociales, desde la violencia policial hasta la corrupción política de su país. El bajista Hector Buitrago abandonaría la banda un tiempo después y formaría a Aterciopelados.
«Canciones del corazón» Trío Los Panchos
1955
Columbia
A mediados de los cincuenta, Los Panchos habían tenido un impacto notable en la música latinoamericana al transformar la forma en que se tocaban los boleros. En este disco el grupo liderado por el requintista Alfredo «Güero» Gil y la segunda voz Chucho Navarro estuvieron acompañados por otras dos voces: el cantante boliviano Raúl Shaw Moreno y el cantante puertorriqueño Julito Rodríguez. Aunque Gil y Navarro fueron compositores formidables, una de las claves de su éxito fue identificar a los compositores y las canciones que habían causado un impacto dentro de la escena del bolero de la región. Una vez identificados, los arreglos característicos de Los Panchos, con el cantante principal de tono alto, armonías de respaldo y un requinto exquisito, transportan al oyente a escenas de amor y desamor. Esa fórmula se muestra plenamente en este disco donde Gil y Navarro no se arriesgan con el repertorio y adaptan “Bésame mucho”, “Perfidia”, “Solamente una vez”, “Sin ti” y el resto de canciones a su estilo, todo para nuestro beneficio.
«Cachaíto» Orlando «Cachaíto» López
2001
World Circuit
Un virtuoso del contrabajo que publicó su único álbum como solista a los 68 años de edad, tras su importante repercusión en el colectivo de veteranos de Buena Vista Social Club. El músico cubano se hizo acompañar del percusionista Angá Díaz y otros de sus compañeros de Buena Vista para entregarnos un memorable trabajo de jazz afrocubano, en cierta forma experimental. Cachaíto no quiso ir por sendero seguro y reversionar clásicos cubanos, más bien se aventuró a temas nuevos con improvisaciones notables. La selección de músicos es excepcional para un discazo imprescindible.
«Déjenme llorar» Carla Morrison
2012
Cósmica Records / Intolerancia Records
Decir que Déjenme llorar es un disco romántico no engloba todo lo que Carla Morrison nos entrega en estas 14 canciones. Es más que eso, es un disco lleno de honestidad y con una gran carga emocional, que solo la voz de la mexicana nos puede aportar. Encontramos un trabajo muy bien estructurado que propone exquisitos arreglos que provienen de la experiencia ganada como una artista independiente. Esta producción le valió a Carla cuatro nominaciones al Grammy Latino, de los cuales se agenció dos. Y además una nominación al Grammy anglo. Sin duda, este es el puente que la catapultó a las grandes ligas y la sumó a toda una generación de voces femeninas en el continente.
«Alta Versatilidade» Luiz Bonfá
Jazz – MPB – Música clásica
1957
Odeón
Sólo 25 minutos necesitó Luiz Bonfá en este disco para mostrarnos su exquisito talento con la guitarra y la alta versatilidad de estilos en los que podía destacar. Un paseo por piezas de música brasileña, música clásica, pop y jazz, en los que se destaca con total naturalidad. Luiz se transformó en una de las figuras centrales en el nacimiento e internacionalización de la bossa nova, editando dos años después Orfeu negro, junto a Antônio Carlos Jobim, en el que Bonfá dejó uno de los clásicos de la música brasileña, “Manha de carnaval”. Más tarde, en 1963, lanzaría Jazz Samba Encore! junto Stan Getz, un año antes de que lo hiciera João Gilberto.
«¡Viva Chile!» Electrodomésticos
1986
EMI
Una melodía de música clásica, interferencia y un hombre que entrevista a una mujer, una famosa “vidente”. Entran el bajo y el sintetizador. Así es el primer minuto de este disco, con la homónima (casi) “Viva Chile”, que finaliza con la pregunta: “y el futuro de Chile ¿dónde está?” (En plena dictadura). En la transgresora “Yo la quería”, el vocalista Carlos Cabezas habla sobre un tenebroso hecho, mientras los sintetizadores y la guitarra guían el ánimo del relato. Con sintetizadores hipnóticos, una guitarra que merodea y a la vez es protagonista, voces sampleadas, los Electrodomésticos hacen un disco que tiene synthpop, post-punk y mucha experimentación, y que responde a la pregunta del comienzo: el futuro estaba aquí, en este disco.
«Ventura» Los Hermanos
2004
BMG Brasil
Ventura, de Los Hermanos, es un álbum trascendental para el indie rock brasileño. Lanzado en 2003, llegó a la generación de su país porque se filtró en internet antes de su lanzamiento oficial, marcando un hito en la era digital. Obtuvo el estatus de “disco de oro” por vender más de 50 mil copias con BMG, que compró el catálogo de la banda porque el sello que iba a lanzar el disco entró en bancarrota. Con Rodrigo Amarante como figura central, el álbum cautiva con su instrumentación y letras poéticas. Ventura fue un disco muy aclamado por la crítica brasileña y está respaldado por una base de fanáticos que hasta la fecha siguen enarbolando canciones como «Último Romance», «O Vencedor» y «Conversa de Botas Batidas”.
«The Return of El Santo» King Changó
2000
Luaka Bop
King Changó, originalmente formada en Caracas en 1994, captó la atención de David Byrne, quien los fichó y los llevó a Nueva York. Después de un primer álbum que generó interés, vino El Regreso de El Santo. Esta segunda entrega exhibe una mezcla aún más amplia que abarca salsa, merengue, cumbia, dub, reggae, ska, raggamuffin, rock, electrónica y pinceladas de prácticamente todos los géneros. Es una amalgama de estilos, a menudo entrelazados dentro de una misma canción, que pone en manifiesto el estilo sincrético de la banda. Es como la música perfecta para una fiesta, con una intensa sesión de improvisación donde los ritmos fluyen incesantemente, asegurando que te muevas. Canciones destacadas como «Brujería» muestran su sentido del humor, mientras que «Sin Ti» ofrece un ritmo reggae con letras alternadas entre español e inglés, gracias a las vocales de Blanquito Man. En resumen, este disco ofrece una experiencia musical única que satisface una amplia gama de gustos, y que daría fin a la historia discográfica de la banda.
«Mi Buenaventura» Peregoyo y su Combo Vacaná
Cumbia colombiana – Currulao – Porro
1967
Discos Fuentes
Luis Enrique Urbano Tenorio, conocido como «Peregoyo», nació en Buenaventura y aprendió varios instrumentos de oído. Luego estudió composición y saxofón. Fundó la orquesta Peregoyo y su Combo Vacaná en los años sesenta, pionera en difundir la música del Pacífico colombiano. Su legado incluye más de 120 composiciones, destacando el tema homónimo de su disco «Mi Buenaventura», interpretado por Markitos Micolta. El álbum, grabado en 1967, es el segundo de su discografía, el cual fusiona géneros afrocolombianos con influencias caribeñas, modernizando la música regional costeña. Con una formación de nueve miembros, el conjunto destacaba por su versatilidad musical, influenciando la escena musical colombiana.
«Alma mestiza» Rebeca Lane
2016
Flowfish Records
Rebeca Lane, artivista y rapera guatemalteca, aborda temas feministas y de justicia social. Fundadora del colectivo «Somos Guerreras», destaca por su música y poesía que denuncian violencias sociales. Inspirada por la desaparición de su tía durante la guerra civil, promueve el feminismo y la memoria histórica. Su álbum Alma mestiza fusiona rap, R&B, ritmos latinos con letras de reivindicación feminista y social con colaboraciones nacionales e internacionales. Involucrada en movimientos sociales, viaja por el mundo difundiendo su mensaje de empoderamiento femenino y de lucha por la identidad.
«El recital» Gustavo Pena ‘El Príncipe’
2004
Ayuí
Con solo dos álbumes editados en vida (este recital y Amigotez, junto a Nico Davis) Gustavo Pena fue, sin embargo, una máquina de escribir y grabar. Una máquina muy humana. Una máquina humana que no paró de componer desde que, siendo un niño, le cantó improvisadamente a su madre ya muerta, hasta que él mismo se vio enfrentado a la muerte y siguió escribiendo en el hospital hasta morir. Esta humanidad, la sensibilidad de su voz y también su humor, se muestran en todo esplendor durante las 22 canciones de este recital. Entre ellas se encuentra “Mandolín”, su tema más reconocido.
«Slaves mass» Hermeto Pascoal
1977
Warner Bros. Records
Ya con un nombre hecho en Brasil y a nivel internacional, como miembro de Quarteto Novo y otras agrupaciones, y componiendo tres piezas para el aclamado Live Evil de Miles Davis, en el cual también participó tocando, en este su tercer disco se hace acompañar de otros grandes como Ron Carter en el contrabajo, Airto Moreira (otro ex Quarteto Novo) y Hugo Fattoruso (ex Shakers y en Opa al momento de esta grabación). El disco es una demostración de toda la excelencia al componer e interpretar y de la libertad que ha desplegado Hermeto a lo largo de su carrera, con sonidos de animales como en la homónima “Slave Mass”, o en el largo y hermoso solo de piano en “Just Listen”. Escuchar a “O bruxo” es una experiencia única y este disco es un buen lugar para partir.
«À Vontade» Baden Powell
1964
Elenco
Cuarto álbum de Baden Powell, en el que ya se puede apreciar toda su genialidad y estilo con la guitarra. Además destacan a un alto nivel tanto la flauta y la batería, como en especial el sorongo de Pedro do Santos, que en “Sorongaio” juega a quitarle protagonismo a Baden y en “Samba Do Avião” es su mejor compañero. El disco entrega clásicos de la bossa nova como “Consolação” y “Garota de Ipanema”, con la cual abre el disco, donde muestra todo el presente y la potencialidad de su futuro. Sólo dos años después editaría su gran Tristeza on Guitar y el clásico de la música brasilera Os afro-sambas de Baden e Vinícius junto a Vinícius de Moraes.
«El Bárbaro del Ritmo» Beny Moré con la Orquesta de Pérez Prado y la Orquesta de Rafael de Paz
Bolero – Mambo – Son cubano
1963
RCA Victor
Disco lanzado en 1963 que contiene algunas de las grabaciones que Beny Moré realizó en México entre 1949 y 1951. Moré llegó a México como integrante del Conjunto Matamoros en 1945 y permaneció en el país siete años. Se ganó el nombre del “Bárbaro del Ritmo” en el país azteca por sus improvisaciones vocales y la sorprendente facilidad con la que dominaba varios géneros. Lo cual se muestra plenamente en este álbum, donde pasa sin problemas entre boleros, guarachas y mambos. Aunque su relación con Prado se deterioró con el paso del tiempo, sus grabaciones en conjunto terminaron ayudando a popularizar los sonidos del mambo en todo el continente. Además, dejaron una escuela en México que ayudó a impulsar la floreciente escena de la música tropical que tendría repercusiones en las próximas décadas.
«Me volví a acordar de ti» Los Bukis
Canción melódica – Cumbia – Norteño
1987
Laser Internacional
Aunque sus orígenes se remontan a inicios de los años setenta, los Bukis dominaron los años ochenta en México a riendas de las composiciones de Marco Antonio Solís, quien despachaba con soltura esa mezcla de baladas, cumbia, norteño y polka chicana que caracterizó a la mal llamada “onda grupera”. En su décimo disco la consagración llega con “Tu cárcel”, un hitazo que aún es covereado a todo lo largo del continente, con versiones que van de la cumbia al rock. Los Bukis continuaron una carrera ascendente hasta 1996, cuando Solís inició una también exitosa trayectoria como solista.
«Hombre Sintetizador» Zurdok
1999
Discos Manicomio
Luego de un debut irregular, donde la banda se mostraba indecisa entre las influencias de Rage Against The Machine y el britpop, Zurdok se encerró en un rancho en las montañas de Nuevo León para grabar su segundo disco. En plena efervescencia de la ‘Avanzada Regia’, la banda comandada por Chetes y Fernando Martz entregó un álbum ambicioso y grandilocuente, lleno de rock psicodélico, baladas folk y pop orquestal, que al paso del tiempo se ha convertido en uno de los favoritos de la crítica y suele encabezar las listas de mejores discos del rock mexicano. Mención aparte merece la suite electrónica de 11 minutos, “Hombre sintetizador II”, que sirve como intermedio a mitad del disco.
«Paulina» Paulina Rubio
2000
Universal
La “Chica Dorada” en su cumbre musical. A través de 11 canciones, un bonus track y con base pop, el quinto álbum de Paulina Rubio navega entre rock, bolero, dance, balada, hip hop y hasta ranchera con canciones como “Lo haré por ti”, “El último adiós”, “Yo no soy esa mujer”, entre otras, que se han vuelto clásicos de los karaokes latinoamericanos. En esta producción, Rubio combina sus raíces mexicanas, como el cover de Juan Gabriel (“Cancún y yo”) y la interpretación de una composición hecha por Armando Manzanero para este álbum (“Tal vez quizás”), con sonidos contemporáneos, al tener casi la mitad de temas (y de hits) adjudicados al productor colombiano Fabio Alonso Salgado, Estéfano. Paulina es un álbum redondo, que sabe aprovechar la flexibilidad del pop para introducirse a diversos géneros y jugar con ello. Es ya un clásico contemporáneo.
«El mejor mariachi del mundo» Mariachi Vargas de Tecalitlán
1958
RCA Victor
“El Mejor Mariachi del Mundo” fue la frase que se inventó Rubén Fuentes para describir a la agrupación a la que se unió cuando era adolescente en los años cuarenta: El Mariachi Vargas de Tecalitlán. Fuentes, junto con el líder de la banda, Silvestre Vargas, se propusieron reformarlo contratando músicos profesionales y agregando instrumentos y arreglos más complejos. Para los años cincuenta el sonido del mariachi había sido transformado por estos dos, cuya visión ayudó a unificar cómo se tocaban los huapangos y los sones en todo el país. Sus versiones y arreglos de canciones tradicionales se convirtieron en la versión que todos los demás mariachis emularon.
«Babel» Santa Sabina
1996
Culebra
El papel crucial de Rita Guerrero como ícono del rock mexicano y la evolución de su banda Santa Sabina en «Babel» destaca su innovación, legado y el impacto duradero que los ha permitido inscribirse con letras de oro en el Olimpo del rock latinoamericano. 16 cortes hipnóticos que hablan de arrepentimiento a través de citas bíblicas, un trabajo necesario para las juventudes de mediados de los noventa, que son acompañadas por una virtuosísima banda con Alfonso Figueroa en el bajo, el recién llegado Alex Otaola en la guitarra, Patricio Iglesias en la batería, el clarinete de Rodrigo Garibay y los teclados de Juan Lach. Todos bajo la producción de Pedro Aznar y Peter Baleani. Temas como “La garra”, “El ángel” y “Epílogo” son parte del legado de Rita y sus Sabinos.
«Perspectiva» Gilberto Santa Rosa
1991
Discos International
Con la segunda oleada de la llamada “salsa romántica” llega este tremendo álbum de Gilberto Santa Rosa, el cual nos muestra su excelencia interpretativa en diez canciones tan románticas como disfrutables. El Caballero de la Salsa se reafirma como el mejor en este subgénero con notables temas, entre ellos “Conciencia”, escrita por el panameño Omar Alfanno, “Se supone” y “Bomba de tiempo”. Este trabajo deja bien sentado que lo de Gilberto no es salsa erótica, es salsa romántica con historias de amor muy finamente contadas por todo un caballero.
«Persona Ideal» Adolescent’s Orquesta
1996
Korta Records
En los noventa, Adolescent’s Orquesta (también conocidos como Los Adolescentes) surge en Caracas por la asociación entre Luis Francisco ‘El Negro’ Mendoza y Porfi Baloa. Su estilo salsero rápidamente conquista al público nacional e internacional. Su segundo álbum, Persona ideal (1996), dirigido por Baloa, rompe récords en Venezuela al colocar todos sus temas en el primer lugar de las listas. A pesar de cambios en la alineación el grupo sigue cosechando éxitos con temas como «Arrepentida» y «Clase social». Con una innovadora instrumentación y letras maduras, expanden los límites del género. Su calidad musical y temáticas únicas les aseguran un lugar destacado en la salsa más contemporánea.
«Vibraciones latinoamericanas» Los Grillos
Rock – Rock andino – Rock progresivo
1975
Grillos
Surgidos en 1966 de la escena paceña de nueva ola, primero con el nombre de The Crickets, los Grillos fueron virando en los setenta -a la par de Wara o Manantial- hacia el rock progresivo y la fusión con las músicas andinas, lo cual ya es notorio desde su hit de 1969, “Tu partida”. El primer volumen de Vibraciones latinoamericanas (el II es de 1977) es la culminación de este proceso en un viaje de folk rock y rock progresivo, donde los sintetizadores y las guitarras eléctricas se despliegan en paisajes de la mano de flautas y zampoñas, covereando temas bolivianos de Ernesto Cavour, Julio César Paredes y Gonzalo Alborta.
«Marimba del Pacífico» Río Mira
2017
Aya Records
El río Mira transita por Ecuador y Colombia, y lo mismo este disco, con miembros de reconocida trayectoria, quienes transitan por las tradiciones musicales afrodescendientes de ambos países. Con las marimbas como guía y las percusiones y coros acompañando, las canciones se mueven entre la melancolía y la fiesta. Así transmiten de manera muy sentida y auténtica el espíritu de Esmeraldas, el lugar donde se formó el grupo y uno de los primeros en Latinoamérica en donde se liberó a un grupo de esclavos africanos.
«Carlos Puebla» Carlos Puebla
1969
Areito
Conocido como “El Cantor de la Revolución”, Carlos Puebla deja en claro en este disco homónimo su talento como cronista, en este caso sobre la Revolución y la vida en Cuba durante los años siguientes. Con títulos explícitos como “Y en eso llegó Fidel”, “Todo por la reforma agraria” o “Yo también soy miliciano”, Carlos y su guitarra, más el acompañamiento de sus Tradicionales, nos entregan un álbum de nueva trova y guaracha exquisitamente ejecutado. Casi al final del álbum podemos escuchar “Hasta siempre”, un homenaje a Ernesto “Che” Guevara, escrito poco después de su muerte, que se ha convertido en su legado musical más reconocido.
«Two Sides of La Lupe / Dos lados de La Lupe» La Lupe
Bolero – Bugalú – Guaracha – Soul
1968
Tico Records
Un esencial de la música Latinoamericana, donde La Lupe, también aclamada por su público como «La Yiyiyi», vuelca toda su versatilidad, explorando géneros mixtura de raíces afro-cubanas e influencias estadounidenses, desde el boogaloo a la nostalgia y romanticismo del bolero. Las Lupes trascienden las barreras idiomáticas, sacudiendo al oyente, apropiándose del repertorio en su histrionismo, intransferible, pasional, visceral; entre carcajadas, gemidos, y arengas de fiesta en su interpretación desbordante de colores, sabores y calor caribeño. En boleros como «El inmigrante» La Lupe, desde el exilio, le canta a su Cuba natal, nostalgiosa y orgullosa de sus raíces. La Lupe da un vuelco interpretativo a los boleros femeninos de la época, expresando su romanticismo febril, aguerrido y vengativo en canciones como «Maldito seas». Los Dos lados de La Lupe, dos caras de una misma moneda, una celebración del orgullo latino.